The Spell of Sofia Beça Ceramic Artwork

 

While preparing a review for Terrart magazine (number 64, 1st semester 2024, Barcelona, p. 60-61), I have had the great pleasure of getting to know the work of Sofia Beça (Porto, 1972), one of the great ceramists of Portuguese lands, who is developing her activity, especially in the field of sculpture and murals made of fired clay.

Through the work of such a simple and humble material as clay -apparently only with her hands, but in reality -with her brain and heart, in unison- she is capable of recreating captivating spaces through the magic of her art -where the ceramic element- becomes the real protagonist, inviting the delight of all the senses. For, the contemplation of her works allows us to feel -caressing her pieces- perceive with the touch, the textures of the finishes chosen by the author herself, while visually she introduces you into the small world of plastic beauty -simply natural and human.

After a magnificent formative preparation in the specialty in the field of ceramics, at the Soares dos Reis School of Decorative Arts in her native city, in the late nineties and other specialization courses: Raku and especially sculpture and murals, under the mastery of great teachers such as Emidio Galassi and Acadio Blasco, the latter, considered by herself as her great master, she pursued her path that she had chosen by vocation, steadily with perseverance, tenacity and enthusiasm, tracing, thus, a career path based on fundamental principles that distinguish her for her talent and excellence in the results achieved. She is currently a member of the International Academy of Ceramics.

Since 1997 he has been exhibiting successively - individually and collectively. One of the first was at the Museum of Pottery of Barcelos, later exhibiting her works in several renowned galleries, which we mention below, as well as in museums dedicated to the ceramic theme in Portugal, Spain, the Netherlands, etc. Precisely because of her participation in other events, collectively - both in exhibitions, symposiums and international biennials, she has deserved the recognition of being one of the Portuguese ceramists with more international projection. Her work has been present in Japan, Argentina, France, South Korea. Austria, Tunisia, Egypt, Poland, Germany, Denmark, China, Latvia, Turkey, Greece, Italy, Slovenia, Russia, Hungary, ... even with commissions to beautify some public spaces, all over the planet.

She has been awarded a large number of prizes and recognitions, since 2002, especially in various competitions in the Iberian Peninsula, international ceramics competitions, etc., some of them shared with other artists.

In general, he delights us with a very careful work, technically impeccable, inspired by vital facts - intrinsically human activities - such as walking or wandering, following the earth as a common thread, not only for the raw material used, but also as his own idea - source of inspiration - from which emanate the slogans, meticulously chosen to make many of his works. In fact, all of them are linked to a theme that imbues them with meaning, in addition to giving them a life of their own that can be perceived by those who contemplate them with sensitivity and desire to contact with authentic art.

Selecting some examples, we refer to space, habitat, mountain, valley, path, garden, territory ... in fact the envelopes of the human being and its scenarios from its most remote origins.

Now, well, it is also inspired by feelings, such as falsehood, love, disillusionment, ... so intrinsic to human life itself.

Technically, he uses stoneware as raw material, which, once worked, is fired in a wood-fired oven. The designs, in general, of simple outline, always looking for a compositional rhythm that is reached harmonically as if it were a musical piece. In his works, the repetitions of elements are interspersed in a rhythmic and harmonious way, recreating geometries of blurred coloration. In this way, the chromaticism and tonalities are achieved by the action of fire, always, eagerly inquiring, rough textures, brittle roughness, similar to many of the geological formations, such as rock or sedimentary overlays, thus reproducing the sequencing of a stratigraphy.

Skill, mastery of technique and exquisite taste, essentially the result of approaches, ideas meticulously calibrated through a deep reflection on the human in our small planet, its weaknesses, but also showing how sublime a small work of ceramic art can be.

Margarida Genera i Monells

Prehistorian and archaeologist

Dei-te o mundo de bandeja

 Dei-te o mundo de bandeja

Café Asa de Mosca, casa e ponto de encontro de muitos de nós, humanos e não humanos, criativos e artistas, produtores e músicos, habitantes das redondezas do Bonfim, será o palco para mais um encontro instalação-performance-concerto duracional.

Dei-te o mundo de bandeja, junta o trabalho delicado da ceramista-escultora Sofia Beça, a genialidade musical e de composição em tempo real do baterista Pedro Melo Alves, a versatilidade e escuta aguçada do músico e dj Otsoa e o corpo-espírito-pessoa da coreógrafa e performer Ana Rocha, que numa linha rigorosa e estruturada dão as suas ferramentas para um momento único de improvisação e experimentação.

Num mundo em que reivindicamos espaços de criação e possibilidades de movimentar novos universos onde o colectivo é mais do que o aparente, o material, o superficial, desafiamos no Asa de Mosca, tocar rente e mergulhar aquilo que é um pouco maior do que nós, Dei-te o mundo de bandeja.

Dei-te o mundo de bandeja, mais do que uma expressão do quotidiano, convida-nos a um espaço-tempo em que tudo já lá está em potência, antes de nós esse mundo, antes de nós esse serviço de manifesto e de comum, antes de nós tudo o resto que se regenera como água, som, terra, toca e troca, transforma e se expande.

18 de Junho - 16h30

Café Asa de Mosca - Rua Duque da Terceira, 377, 4000- 537 Porto

 

 

 

Exposição "Occidente y Oriente"

 

"Vale" - 2018

Grês, técnica da lastra, cozedura a 1200ºC em forno de lenha. 100 x 300 x 4 cm

Sofia Beça (Oporto, 1972), dueña de un currículo artístico verdaderamente apabullante, comenzará su formación en cerámica en la Escuela de Artes Decorativas Soares dos Reis de su ciudad natal, a finales de la década de los ochenta, para bien pronto decantarse por la especialización con diversos maestros como Emidio Galassi y, de manera especial, con Arcadio Blasco a quien ella considera su gran maestro. Desde que en 1997 celebrase su primera muestra individual en el Museo de Alfarería de Barcelos, ha pasado por las más importantes galerías y museos dedicadas a la cerámica en Portugal, España y Países Bajos, del mismo modo que lo ha hecho en colectivas, simposios y Bienales Internacionales de Cerámica en Japón, Argentina, Francia, Corea del Sur, Austria, Túnez, Egipto, Polonia, Alemania, Dinamarca, China, Letonia, Turquía, Grecia, Italia, Eslovenia, Rusia y Hungría. Algunos de esos países acogen obras públicas de su autoría, es miembro de la Academia Internacional de Cerámica y es destacable su papel como coordinadora de los Encuentros Internacionales de Ceramistas en Boassas (Portugal), a cuya actividad fue dedicado, en 2006, el 12o Certamen San Agustín de Cerámica de Avilés.

Aquella participación de Sofia, con unas piezas tituladas Refugio, van a facilitarnos el acercamiento a la artista –por más que a ella no le guste en demasía el término– para entender que la suya es una evolución rigurosa y coherente que nunca olvida la procedencia del material y los medios con los que trabaja. La tierra es el medio, del mismo modo que la tierra es, también, la idea, el concepto. Basta ver los títulos de sus obras en las que en repetidas ocasiones han estado incluidas, a lo largo de su carrera, las palabras, montaña, valle, sendero, jardín, territorio... contenedores del ser humano, en suma, lugares. Pero también conceptos que nos pueden remitir a sentimientos un tanto abstractos como falsedad, amor, desilusión... y no olvidemos la percepción de orígenes, habitat o sedimento aplicables tanto a lo formal como a lo conceptual. Sofia se exige siempre, se exprime, y está convencida de que la verdad, a la que llegará al final de sus obras de una manera simbólica, debe ser sentida previamente y proceder de las experiencias vitales, de su deambular por la naturaleza y, cómo no, de la aprehensión, directa o indirecta, de las enseñanzas de sus maestros e incluso de la reciprocidad con sus colegas.

Siempre con el gres como medio y con el empleo del horno de leña, con el que parece mantener una relación apasionada, obtiene unas superficies ásperas, en ocasiones quebradas, en una clara trasposición de la materia primigenia, gres de distintos colores que, simplemente, ve modificado su cromatismo por la acción del fuego. Eso se ve ya en la más antigua de las piezas presentadas, Delimitação território, de 2005 y va a mantenerse en todas las demás. Cabe destacar que para Sofia las pequeñas obras, ejemplos pueden ser –Marcamos em par, Conquista o Pequenas Montanhas de 2017, 2018 y 2020– nunca pretenderán convertirse en objetos decorativos por más que lo parezcan, algo que ocurre también en las composiciones modulares –Regresso às origens, Vale, Voltar às origens, de 2015, 2018 y 2019 respectivamente– ampliamente representadas en la exposición.

Una última consideración sería ese gusto de Sofia por las instalaciones y también, como ella misma ha manifestado, la influencia e incorporación del agua en sus obras más recientes –Pool, Termal bath o Ilhas, todas de 2022– a raíz de su estancia en Hungría, concretamente en Ketcskemét, ciudad de aguas termales –y ceramista– en la que ha trabajado recientemente. Precisamente en esa última pieza citada, la incorporación del agua como elemento imprescindible en la composición, vuelve a incidir en esa ya citada interacción de todo, forma y concepto, en las obras de Sofia Beça. Así, tierra, aire, fuego y agua, los cuatro elementos de la naturaleza son perceptibles en un planteamiento, ya lo hemos expresado con anterioridad, que se basa en la mirada al entorno.

Ramón Rodríguez

Outubro 2022

50 anos!

50 anos, meio século, e agora? Agora que já vamos a meio caminho, e já perdemos todas as ilusões de mudar o mundo e de ser felizes para sempre? Agora, que já não temos o vigor e a energia da nossa juventude, e a nossa paciência se esgota com tudo aquilo que outrora achávamos irrelevante no mundo?

Ainda vamos a meio. E se já perdemos as nossas ilusões dos primeiros anos de vida, fiquemos então com as ilusões das ilusões. Conseguimos agora ver as coisas com mais clareza, mas isto não nos impede de continuar a sonhar. Não podemos - devemos iludir-nos frequentemente, para que tudo possa continuar a fazer sentido. Na ilusão das ilusões, tudo será melhor, se assim quisermos. Sonhamos acordados com um pé na terra e outro no céu, mas sonhamos mais alto, mais forte, à medida do nosso crescimento interior.

50 anos, ainda vamos a meio do caminho. O caminho que sempre te foi natural e com bravura e determinação escolheste. Ser ceramista, em Portugal. Poucos se lembrariam de levar isto tão a sério como tu. Mas já nasceste assim, livre, e nada te conseguiria derrubar. Neste meio caminho, deixaste um rasto indelével. O da tua obra, que fica e ultrapassa o tempo e a matéria, e o do teu filho, a tua criação suprema e sobre a qual depositas o teu futuro. 

Neste caminho, nunca estiveste nem estarás sozinha. Agora que eu já não sou só irmão, mas também pai ( de dois irmãos), consigo ver nos meus filhos algo que nem sempre consegui ver. Fico frequentemente a vê-los brincar, a rir ou a chorar, e consigo ver-nos a nós, em pequenos, a fazer tudo o que eles fazem. E é tudo muito claro. Nada poderá quebrar este elo mágico, que é tão forte que transcende qualquer palavra, e que mesmo no silêncio é cúmplice para toda a vida - o amor entre irmãos.

Nos bons e maus momentos, serei sempre o caçula e estarei sempre ao teu lado nos próximos 50 anos, mesmo que nem sempre me consigas ver. 

O teu irmão Gustavo

28 Março 2022

Consequências na matéria

"Os Solitários"                      

Grês, técnica da lastra, cozedura a 1270ºC em forno de lenha. 2021. 37 × 77 × 7 cm

Pequeno texto da folha de sala da exposição:

"Meu querido,

Enviei-te fotos de alguns dos trabalhos que fui fazendo desde que nos conhecemos. Lentamente foste servindo de mote ao meu percurso. Depois, com o confinamento e a nossa reaproximação, foste assumidamente o meu "muso" (as mulheres não gostam de reconhecer, mas eles existem, felizmente).

 Quem conhece a minha obra e já leu sobre ela, sabe que as minhas influências são a natureza e as relações humanas.

 Com o confinamento perdi a possibilidade de me basear em ambas, restaram-me as memórias das minhas caminhadas pelo monte e as pedaladas na bicicleta. Mas faltava-me a relação humana. O contacto físico e as conversas com a família, com os amigos, amantes, desapareceu.

As nossas conversas deram bons frutos na minha criação (modéstia à parte). Construí histórias imaginárias, umas bonitas, outras nem por isso, mas sempre imaginárias. Toda a nossa troca de conversas foi virtual.  Fui-te estudando e usando aquele teu lado mais interessante, que aos poucos ias revelando.

 Sem que me perguntasses o porquê, fui partilhando o meu trabalho, e foste-me ajudando a decidir o caminho. Foi bom nunca teres perguntado nem percebido a razão.

 Na realidade usei-te (descaradamente) para conseguir produzir esta obra. De outra forma ficaria uma exposição narcisista e sem "corpo".

 Cada peça tem um significado, o título pode orientar, mas também pode seguramente induzir em erro. Deixo essa dúvida, esse esclarecimento, para um dia quem sabe o discutirmos, quando não tiveres medo da minha presença física.

 Durante o confinamento fizemos companhia um ao outro. Recuso-me a acreditar que trocássemos mensagens diárias se não fossem interessantes para ti também. Tu reclamas, irritas-te comigo, mas gostas dos meus disparates (vá, admite).

 A exposição é dedicada a ti, mas não o tornarei público. Preservo a privacidade de ambos.

Não tenho habilidade nenhuma com as palavras, mas sem me alongar, creio que te escrevi o essencial.

 Fecha-se um ciclo, mas desejo que esta amizade que fomos construindo ao longe, se aproxime e perdure. Tu irritas-me com "pontos e as vírgulas", mas quando te deixas de detalhes mínimos, és um prazer.

 Uma coisa que acho que nunca percebeste, o meu sentido de humor e o ser sarcástica (e de tonta não ter nada). Características que dificultam muitas vezes a comunicação quando a sintonia não é plena.

 Um beijo bom para ti e obrigada

Sofia"

Consequências na matéria

 

Sofia Beça, escultora cerâmica, expõe pela primeira vez em Mértola o seu trabalho que, embora radicado na escultura e na cerâmica, assume-se como multiforme e convoca as artes visuais de forma abrangente, rompendo os limites da área disciplinar na qual se inscreve. Nas obras apresentadas em “Consequências na Matéria” a noção de paisagem é abordada a partir de murais de parede ou pequenas obras escultóricas, ancoradas na técnica da lastra, usando o forno de lenha para a cozedura das suas peças. Ondulações, montanhas, vales ou jardins são descobertos em obras que desafiam a nossa perceção ótica e intersectam as fronteiras da pintura e da escultura. Outras, de cariz mais tridimensional, remetem-nos para questões de demarcação e de conquista. Podemos imaginar marcos ou soldados estilizados que defendem os seus territórios inscritos na sua pele feita de grês. 

Alejandro Ratia, escritor e crítico de arte espanhol, realça esta faceta de Sofia Beça da seguinte forma: “A artista transforma-se em topógrafa. Descreve ou inventa uma paisagem. E dentro dessa atividade topográfica encontra-se também a marcação de território através de marcos ou pontos geodésicos. Estas marcas modernas convivem com outras mais tradicionais, muitas vezes ligadas ao culto religioso, como por exemplo cruzes ou estrelas. Uma das principais funções da escultura foi precisamente esta: a demarcação de limites. O que significa também dotar o território de um sentido, uma função primordial a que Sofia Beça regressa. (…) No entanto, em Trás-Os-Montes, onde a artista cuida do seu forno de lenha, é ainda com pedras que se demarcam os terrenos. Poder-se-á aqui aludir a uma política do território, se aqui introduzirmos os títulos de propriedade ou os sinais de conquista” 

Sofia Beça deambula assim entre a Paisagem e a História, mas não esquece temas tão atuais como o isolamento ou a solidão, materializados em esculturas de uma abstração dialogante e de uma força capaz de aprofundar os sentimentos que temos perante elas. Paradoxal é a sua obra intitulada “Não, não estamos todos no mesmo barco” numa clara alusão à situação pandémica que atravessamos e em particular à condição assimétrica do mundo das artes. 

Tiago Guedes 

Comissário da exposição 

2021

Entrevista na revista ExKlusiva

Deixo-vos aqui, esta pequena entrevista que saiu esta semana, na revista ExKlusiva, nº 25. A leitura neste blog não será muito legível, mas a revista está nas bancas, disponível para poder ser lida devidamente.

Texto de Alejandro Ratia para a exposição "Que caminho percorres tu"

CAMINHOS E SINAIS

Deambular supõe caminhar sem propósito. Vários dos trabalhos mais recentes de Sofia Beça aludem a esta ideia. “Deambulando”, por exemplo, é o título do políptico formado por quarto quadrados seguidos. Em cada um deles, as formas vão crescendo até ocuparem por inteiro o último deles. Podemos interpretar esta obra como uma espécie de rio que se alarga, ou então podemos entendê-la como um túnel claustrofóbico, numa sequência cinematográfica de quarto estados durante a qual se assiste ao caminhante a chocar contra uma parede e a regressar, mas a regressar através de um caminho alternativo para, no final, a cobrir com o seu caminhar sujo e errático a superfície total do seu mundo. Um mundo que se reduz a esse quadrado, a que os passos dele acabam por dar uma forma viva. Em certa medida, toda a arte supõe a construção de um mundo. Um mundo que os outros são também convidados a habitar e que preserva uma relação metafórica com o real. Esse quadrado de grés é um microcosmos. O caminhar significa conhecer, ou seja, refere-se à linguagem. A palavra determina o conhecimento. As lajes paralelas de cerâmica que se organizam como gestos, delimitados em pinceladas, criam um caminho repleto de incertezas e de rectificações.

Os artistas dão sentido ao seu deambular sem sentido. Caminhar é uma atitude activa que se contrapõe à actividade passiva do olhar. A forma como Van Gogh pintava tinha algo que ver com esta ideia, ou também com a forma (que associamos a Pollock) de abordar as superfícies em sobrevoo, desenhando caminhos sobre elas. Sean Cubbit disse uma vez que “cabe aos artistas devolver ao caminho a sua profunda temporalidade, fazer dos sons e da textura da viagem uma negociação, um diálogo liberto do férreo governo da gramática pela necessidade de criar sentido e de fazer com que o termo ‘sentido’ inclua todos os sentidos”. Uma das missões do artista é a de recuperar a consciência das distâncias, a de voltar a associar o caminho ao tempo e de promover a proliferação de sentidos e possibilidades alternativas de recurso ao que, no final, acaba por ser um labirinto. A alusão a esse sentido capaz de agregar todos os sentidos lembra-nos esse quadrado final, coberto de formas arbitrárias, do políptico de Sofia Beça.

Falamos de caminhos e falamos de tempo. Que Sofia seja ceramista nada tem de anedótico. No caso da cerâmica, o tempo é um factor tão importante como o barro e o calor. Na catalogação das peças faz-se referência ao tipo de barro, ao tipo de forno e até mesmo à temperatura. Falta apenas indicar o tempo. Esse tempo instala também uma incerteza. Olho para as fotografias que a Sofia me envia, vejo-a junto ao forno de lenha em espera activa, uma espera que pode chegar às nove horas e que exige atenção continua. “Vou cortando lenha”, conta-me ela, “e controlando o forno até chegar ao ponto em que não saio da frente dele nem por um segundo, para o ir alimentando”. O tempo de arrefecimento é igualmente extenso. Depois abre-se e descobre-se. A margem de erro é o que conduz ao acerto. A trabalhar nas suas peças deambulatórias, antes de as introduzir no forno, Sofia parece estar a regular o fluxo de diversas correntes de água, ou então do vento, algo intensamente dinâmico e que os dá a impressão de se imobilizar ao olharmos, uma vez que ele é uma expressão do próprio movimento.

Outra das peças intitulada “Deambulando” está delimitada por pequenos azulejos. O desenho composto recorda-nos os mapas e as suas curvas de nível. A artista transforma-se em topógrafa. Descreve ou inventa uma paisagem. E dentro dessa actividade topográfica encontra-se também a marcação de território através de marcos ou pontos geodésicos. Estas marcas modernas convivem com outras mais tradicionais, muitas vezes ligadas ao culto religioso, como por exemplo cruzes ou estrelas. Uma das principais funções da escultura foi precisamente esta: a demarcação de limites. O que significa também dotar o território de um sentido, uma função primordial a que Sofia Beça regressa. Uma das suas obras mais interessantes intitula-se “Delimitação de Território”, semelhante a uma alienação de menires, como o famoso alinhamento megalítico de Carnac, embora também existam alguns do género em Portugal. Estas “delimitações” marcam uma fronteira simbólica e podem servir para separar o profano do sagrado. É precisamente isso que acontece nesta obra. No entanto, em Trás-Os-Montes, onde a artista cuida do seu forno de lenha, é ainda com pedras que se demarcam os terrenos. Poder-se-á aqui aludir a uma política do território, se aqui introduzirmos os títulos de propriedade ou os sinais de conquista. Todas estas peças são de sentido dual. Têm a forma de um marco ou de baliza. A metade inferior é lisa, a superior mais trabalhada. O motivo que a ocupa tem uma função semântica e pode ler-se como antigamente se liam os totens ou os brasões dos escudos medievais. Um desenho geométrico que deriva em código.

As dualidades abundam na linguagem artística de Sofia Beça. Quando decidimos que algo deve ser expresso em branco sobre negro, damos conta de que a linguagem necessita de um código dual. Em “ Regresso às Origens” reinterpreta-se o motivo do tabuleiro de damas, próprio da tradição da azulejaria portuguesa. O monótono tabuleiro preto e branco cria um território virgem dentro do qual a linguagem pode jogar. Em “Marcamos em Par” cruzam-se dois motivos, o dos sinais o limite dos caminhos, e o da dualidade. São como duas abas de duas cores. No limite, ou na encruzilhada, surgem muitas vezes os dilemas. Devemos escolher uma ou a outra cor, um ou o outro caminho da encruzilhada. Não obstante, julgo que Sofia Beça nos fala em termos de síntese ou de acordo. Em “És a Minha Sombra”, a artista alude à necessidade de lidarmos com o nosso passado, bom ou mau. Uma forma de superação por via da dualidade. O motivo do caminho tem também que ver com isto. Não importaria tanto a origem ou o destino como o percurso intermédio. A dimensão artesanal da cerâmica implica uma disciplina, um caminho de aprendizagem que nunca acaba. Este princípio parece fazer parte da estratégia pessoal de Sofia Beça. No entanto, ela usa-o também em termos de linguagem, de modo a expressar conceitos ao mesmo tempo eficazes (ou concretos) e poéticos (ou ambíguos). O Tao assume que caminhar não é apenas marchar mas também parar: Uma questão dual: o yang como movimento, o yin como imobilidade.

O território pode ser transformado em objeto de sacralização, mas também de devastação. Os incêndios que ocorrem consecutivamente nas florestas portuguesas (e galegas) são um dos exemplos mais terríveis desta destruição da natureza. O ano de 2017 foi especialmente trágico. O fogo queimou uma imensa massa de floresta, destruiu casas e levou um número esmagador de vidas. A instalação "Floresta Portuguesa" é uma elegia dedicada a essas árvores e a essas pessoas. Apresenta-nos uma floresta de troncos segmentados e petrificados. Por entre os fantasmas das árvores, vemos uma fotografia de Rui Pinheiro que reflecte vestígios da presença humana no meio da desolação. Esta obra, de ressonâncias trágicas, mostra uma vez mais que Sofia Beça é uma artista aberta à vida, que deseja firmar as suas experiências e os seus compromissos através da cerâmica, que se encontra aberta à experimentação e colaboração com outras meios e disciplinas, tais como a fotografia ou a música. O ambiente sonoro de Jorge Queijo surge como um elemento-chave neste projecto expositivo que também se quer colectivo.

Sofia Beça não cessa de aprender nem de se mover. A experiência e a filosofia do Oriente foram integradas no seu trabalho, sobretudo depois da sua recente e intensa estadia na China. Duas coisas importantes regressaram com a artista depois desta viagem: por um lado, a experiência mágica da paisagem chinesa, em particular a das montanhas, e por outro lado, o uso da porcelana. Sob a epígrafe “Made in Jingdezhen”, ela apresenta-nos uma série de peças feitas com esta material, que até à data a artista nunca tinha usado. Jingdezhen é a cidade da porcelana. Grande parte da sua população dedica-se a esta arte. Sofia Beça recolheu ensinamentos dessa tradição, transladando-as depois para a linguagem contemporânea. A artista reconhece a porcelana introduziu outras transparências, outras cores, mais suaves e mais abstractas, e uma maior feminilidade ao seu trabalho. Também confessa que isto a conduziu a territórios mais próximos da pintura. Na China elaborou flores esquemáticas, feitas com gestos muito simples. Às vezes multiplica-as, outras, com grande subtileza, isola-as, sendo a protagonista da peça uma única e pequena flor. Introduz-se também o círculo como espaço e suporte, uma noção que está muita ligada à cultura chinesa. Entre as fotografias que Sofia Beça trouxe consigo da viagem, inclui-se uma colecção de portas redondas – as chamadas “portas-lua”. Se grande parte do trabalho anterior de Sofia Beça se ancorava no Sol, e numa certa rudeza da luz e dos seus contrastes na superfície do grés, estas novas obras “chinesas” parecem ter sido elaboradas sob a influência alternativa da Lua.

Alejandro Ratia
 Escritor e Critico de arte

 Outubro 2018

Sedimentações

“Sedimentações”

Placa de alumínio, grés de diversas cores, cozedura a 1200ºC em forno de lenha.

300 x 100 x 7 cms. 2018

Este trabalho passou a fazer parte da colecção do restaurante Matthieu de Lauzun, da empresa de vinhos Sàrl Pieuré Saint jean de Bébian, Pezenas, França. 

O texto abaixo foi escrito pelo critico de arte Alejandro Ratia, a pedido do próprio restaurante. 

https://www.restaurant-delauzun.com/restaurant

http://www.bebian.com/

Como en otras ocasiones, Sofia Beça utiliza la estructura de un tríptico. Son tres cuadrados. Su secuencia crea una panorámica. Los cuadrados hablan de reposo. Su secuencia habla de movimiento. La estrategia de los colores invita a la vista a recorrer el tríptico de izquierda a derecha, y partiendo desde abajo, donde encuentra un amarillo que impulsa a una masa de blanco o de blancos metamorfoseantes que, como si sufrieran una presión tectónica se desbordan en el último cuadrado, y lo llenan, ascendiendo, mientras se contaminan de azules de cielo y rojos de fuego y pretender retornar, sin conseguirlo, desde la esquina superior derecha, en sentido inverso, empujando, eso sí, una lengua rojiza que embiste al negro violentamente. Ese negro que parecía, al comienzo, el simple fondo bajo el que latía aquel primer amarillo, se demuestra ahora una fuerza viva. Porque todo fluye en esta obra, tan específicamente cerámica, y tan cerca de la pintura, por otro lado, donde las lajas de gres, que son una herramienta muy particular de la artista, funcionan como pinceladas, como quantums de fuerza, con una vida propia. El título mismo plantea una paradoja. Las sedimentaciones son sólo una imagen de un tumultuoso, pero lentísimo movimiento, ajeno al tiempo de los hombres, pero real, al contrario de las vanidades del mundo.

Alejandro Ratia

Crítico de Arte / Escritor

Novembro 2018

Texto de Rute Rosas para a exposição "Regresso às origens"

Regresso às Origens 

De tradição secular e com raiz na cultura Árabe, o Azulejo, implantou-se na Península Ibérica mas desenvolveu-se, particularmente, em Portugal, expandindo-se talvez mais do que em qualquer outro país europeu, ao longo dos inúmeros períodos da História da Arte e da Cultura Ocidental.

Podemos observar inúmeros exemplares desta técnica com expressão artística em pavimentos medievais de Palácios ou Igrejas que remontam aos séculos XIII e XIV, como por exemplo na abadia de Alcobaça ou no claustro da Sé de Lisboa, mas igualmente em painéis murais, revestimentos interiores e exteriores dos mais diversos edifícios disseminados por praticamente todo o território português e que permitem viagens no tempo por mais de quinhentos anos de tradição.

No entanto, será nas soluções geometrizantes da azulejaria enxaquetada que encontramos referentes mais diretos aos trabalhos patentes nesta exposição da Sofia Beça.  

Quem conhece o seu percurso artístico dos últimos vinte anos não se irá surpreender com este Regresso às Origens.

A Sofia continua, sistematicamente, a sua dedicação à Cerâmica como ferramenta tecnológica de expressão artística. A materialização das suas inquietações ou anseios tem-se afirmado pelo apuramento, refinamento e audácia nos procedimentos técnicos com resultados plásticos diversos, seja no que diz respeito à volumetria, às dimensões ou às diferentes modalidades expositivas.

Os trabalhos mais recentes parecem apelar a uma revisitação de passados. Por um lado, a um passado histórico e cultural com tradição na azulejaria e mosaico dos últimos quinhentos anos e, por outro lado, a um passado mais recente e particular decorrente da sua experiencia vivencial.

O alto contraste na cor, tradicionalmente obtido pela utilização de engobes e vidrados, é conseguido, nestes trabalhos, pelo contraste entre pastas de cores e chamotes diferenciados cozidos em forno a lenha e que interferem nas variantes cromáticas ou de tonalidade.

A sugestão de volumetrias, de planos geométricos, de perspetiva – tão característicos da azulejaria com tradição e vocação pictórica – são transpostos para murais que sublinham os planos reais, os volumes e texturas ou para objetos isolados com relevos que acentuam e distinguem massas de dimensão diferenciada.

A racionalidade das estruturas geométricas é caracterizante destas composições de estrutura simples – vejam-se os objetos biselados e as múltiplas variantes volumétricas – e parece contrastar com a organicidade da manufaturação, da origem das matérias ou dos procedimentos utilizados. A Sofia reclama um regresso, uma revalorização do que é primário, primitivo pelo que é essência e essencial.

Decorrente de um exercício constante, diário, e que parece confundir-se com qualquer outra tarefa do quotidiano, entre a racionalidade obsessiva e a subjetividade ritmada dos procedimentos, quase catártica, Sofia Beça, expõe composições abstratas simples e com padrões repetitivos resultantes da ação incansável de um fazer, fazer, fazer… que apela ao retorno… a um passado mais ou menos longínquo mas distante…

… ao princípio.

Rute Rosas 

Maio 2016

Professora Auxiliar Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto – FBAUP

PhD Teacher

Departamento de Artes Plásticas

Artista Plástica

Escultura

www.ruterosas.com

Pequena entrevista na Revista ATTITUDE

 "Da terra para o céu"
Mural para habitação particular com três pisos. S. Mamede Infesta 2013

 "The eye"
Colecção do ministério da cultura do Egipto 2014

"És a minha flor"

Talents - Sofia Beça, o vício do barro

“Viciada em Barro”, Sofia Beça não é uma ceramista tradicional e tem “alguma aversão” em dizer-se artista, por serem tantos os equívocos no uso da palavra. Com obra pelo mundo, é em casa, no Porto, que trabalha o barro. Embala as peças cruas e faz 250km até à aldeia de Outeiro, Bragança, para as cozer em forno de lenha. Minuciosamente moldadas, as suas criações – esculturas, murais e painéis únicos – pedem espaço, levando alquimia e poesia à arquitectura.

O que há da Sofia em cada peça?

O que me apaixona e magoa, as minhas emoções; a minha ligação à natureza, mas sobretudo os bloqueios e reacções do ser humano – no modo como me afectam.

É uma obra emocional forte. Não é dada à cerâmica de bibelô…

Ui, não! Quero dar ao barro outro mundo, o da arquitectura, por exemplo. Mesmo as esculturas mais pequenas, vejo-as como maquetas de obras maiores. Gosto da grande escala. Trabalho muito a textura, uso grés. São criações com peso, mas que expressam delicadeza, alguma leveza.

O processo de trabalho é sempre artesanal?

Trabalho com as mãos. Em Junho tenho uma exposição em Córdova, “Regresso às Origens”, que vai precisamente às raízes da cerâmica que eu procuro. Faço as cores do barro, trabalho sem moldes, de modo rudimentar. Vou expor peças de parede; é a minha forma de honrar algo português, o azulejo, e expressar o que me incomoda – a perda da nossa identidade, da nossa cultura.

Daí, também, o forno de lenha?

Também. A chama e o fumo mudam tudo, peça a peça. E preciso deste isolamento. Fico horas a olhar para o forno, a ver o pôr-do-sol, ouvir os animais…

Tem obra em muitos países, nos vários continentes. E Portugal?

Sou mais reconhecida além-fronteiras. Tenho um percurso essencialmente internacional. E há um vínculo grande a Espanha: foi onde descobri o meu caminho (com o meu mestre Arcadio Blasco, infelizmente já falecido), é onde tenho bons amigos ceramistas. Mas gostava de sentir algum reconhecimento no meu país. E quero muito fazer um mural no Porto.

Virgínia Capoto

Janeiro de 2016

Revista ATTITUDE ( março/abril 2016)

Text "Small Flower" by K. Sangha

I had the pleasure of meeting this year Kanwal Sangha, who was a year in Portugal to write one book. I give him to know my work and now he offers me this text about this piece I did recently, in continuation of the previous in 2013

"We absorb all sensations like sponges. Petal to petal, a flower is constructed  the same way a human being inwardly builds white, black red and brown; colors are the meaning of absorbing sensations: purity, pain, love, always based on feelings.

A flower cannot be taught to obey. We go to them like hungry lovers, immerse our emotions. We want to touch them in ways we have never been touched before.To make this happen, art needs evolution of its own life form in order to be. The work characterises a relationship to nature which is based on sensation and desire, conscious that nature is distinct and unique. Therefore, apprehension is not based on copying experience but in the making of the work: the heartbeat of the artist is aware the work knows limits of human experience but realises appropriation as failure of representation.

A flower, like love, “is a many splendored thing.” It is a spectacle in romance and in death. We give it a role and sometimes we think we can control its purpose. This work is not reduced to ornamental limits. It comes out of the body of the artist: her arms, hands, fingers, feet, hips, legs. It is a dance of time, as the work appears, the movement changes, to shape, cohere and to give space  to imagination and the body. Why else does an artist call her output a “body of work”?

A flower recalls many sensations: the touch of a lover, the dead in war, a road accident. Like the petals of marigold for the Indian dead on the river Ganges, remind us in their colour and discoloration, nature, life and death form a unique relationship and powerful memories.

Sofia Beça “writes with clay”. When I look at her flowers I want to reach out and touch, put my lips to the petal, the absorbent ones, next to its neck, my ear to it shell-like aperture."

K. Sangha 

Texto para a exposição "Memórias à flor da pele" de Sofia Beça e Paulo Pimenta

Memórias à flor da pele

“Mesmo que alguém fosse capaz de expressar tudo o que está no seu interior, não o conseguiríamos compreender.”¹

Quatro anos depois de Escultura Cerâmica Hoje – 5 autores portugueses e O Antes, o Durante e o Depois releio os textos que escrevi para exposições da Sofia Beça. O percurso continua a ser desenhado no esforço de ver respondida uma inquietação humana: Qual o melhor caminho?

Talvez pelas pedras da calçada com atenção às que se soltam ou deslocam do seu lugar; ou saltitando de telhado em telhado incerta da estrutura que o sustenta; ou, quem sabe, correr sem destino atenta à sensação do vento a tocar na nossa pele, que nos congela o rosto, enquanto o corpo liberta um calor que nos humedece.

Na ausência de representações miméticas, as manifestações plásticas da Sofia Beça ficam marcadas pela utilização da cerâmica e, nos últimos anos, pela conquista de um espaço no qual é evidente a crescente depuração, quer no tratamento da matéria, como na síntese formal.

A exposição Memórias à flor da pele transporta-nos para o que está simultaneamente longe e perto de nós ou para o modo como o passado pode ser ativado para o presente - que neste momento se torna, incontornavelmente, passado. Momentos da experiência vivenciada e acerca da qual fará sentido exaltar a intensidade ou dimensão que nos arrepia o corpo e nos abala a alma. A pele que, nos trabalhos da Sofia Beça, possui a expressividade de catarse, de purgação. Pele de texturas e tonalidades que sugerem pequenas explosões contidas, automatismos quotidianos, intermináveis repetições de gestos, ações organizadas, percursos e rotinas realizadas aqui, nesta terra, com a terra, com a argila que absorve, como nós próprios Absorvemos…

Memórias à flor da pele é igualmente título de uma obra em parceria com o Paulo Pimenta. Duas reflexões sobre o si - self - de estrutura não-linear e não cronológica que resultam numa espécie de diálogo espelhado onde se gravam registos fragmentados através e entre os quais nos poderemos encontrar ou reencontrar. Uma escrita a duas mãos que no trabalho do Paulo Pimenta é sempre entendida como um momento de partilha.

As suas fotografias são como mergulhos profundos, discretos, complexos e silenciosamente perturbadores. Partilhas do sentir pelo ver e que, bem distinto do olhar desatento do quotidiano contemporâneo, se cravam em nós. São viagens de, pela e sobre vida - pelos tempos e pelos lugares dos nossos mais diversos eus. São corpos que encarnam personagens e que espelham fantasias, fantasmas, o agridoce dos momentos, dos seres humanos, de lugares mais próximos ou mais distantes, inquietando os nossos mais íntimos segredos e medos.

Assim, exprimem-se sentimentos tão diferenciados e tão próximos como a paixão ou a mágoa, o amor ou a perda, sensações e emoções que de tão silenciosamente se conterem parecem aproximar-se da implosão.

Qual será o melhor caminho?

Talvez encontremos resposta caminhando…, “desenhando e esculpindo a diferentes ritmos, velocidades… sem pressa, mas em direcção a um objectivo agradável (Rousseau, Jean-Jacques, 1712-1778) no qual o tempo e a maneira como se desfruta dele,

sem saber o que sucederá após o passo seguinte, estimula-nos a prosseguir.

Passeando, correndo, parando, avançando em direcção a… seguimos e/ou somos seguidos,

tropeçamos, por vezes, caímos e reerguemo-nos…

sentimos e somos sentidos, observamos e somos observados, ouvimos e somos ouvidos, entendemos e somos entendidos umas vezes mais ou melhor e outras vezes menos ou pior… emocionamo

nos e emocionam-nos” ².


Rute Rosas

                                                                                                                                      
Fevereiro, 2014

¹ WITTGENSTEIN, Ludwig, in Últimos Escritos Sobre a Filosofia da Psicologia, tradução: António Marques, Nuno Venturinha e João Tiago Proença, Edição da Fundação Calouste Gulbenkian, Serviço de Educação e Bolsas, Lisboa, 2007, p. 91.


2 ROSAS, Rute, fragmento de texto a propósito da intervenção, Caminhando..., 2010, in Autocensura como Agente Poético Processual da Criação Escultórica- Projectos, Processos e Práticas Artísticas- Tese/Obra, FBAUP, 2011, P.46 e Http://www.ruterosas.com/pt/works/caminhando/

Sofia Beça- "Cerámica y sentido" por Alejandro J. Ratia

A exposição "Arcadio Blasco - maestros de la cerámica y sus escuelas", continua patente no Museu de Cerâmica de Muel, Zaragoza, até dia 2 de Maio. Como também já aqui referi, nesta exposição estão obras de Arcádio Blasco e dos seus "discípulos", Alfonso D´Ors, Jesus Castañon, Madola, Sofia Beça, Teresa Gironés e Toni Soriano.

Para esta exposição foi editado um bom catálogo das obras expostas, de obras públicas dos autores e vários textos.

Fica aqui um dos textos, da autoria do crítico de arte Alejandro J. Ratia, sobre o meu trabalho.

Espero que desfrutem da leitura. Eu desfrutei das conversas que tive com Alejandro para dar neste texto.

CERÁMICA Y SENTIDO

“No me complacieron nunca las cosas ornamentales ni las convencionales, por eso entendí que la cerámica que puede colocarse sobre una mesa, y funcionar como un bibelot, no me interesaba, porque acaba por ser vista como un objeto decorativo y no como una escultura”, me cuenta Sofia Beça. Sus obras no están hechas para lucir sobre una mesa, ni tan siquiera para mostrarse sobre un pedestal. Como dijo Antonio Vivas, esta artista “representa la fuerza de la nueva cerámica portuguesa, más desinhibida, más libre, inclusive provocadora, pero siempre impactante en murales e instalaciones”. Sofia Beça ama trabajar sobre espacios concretos, lo ha hecho en Alcora, lo ha hecho en Muel, etcétera, y sus trabajos tienen, en muchos casos, un carácter abierto, que pide la colaboración de otros artistas, de otros medios, o del espectador, e incluso de los elementos (el fuego, el aire…), y suelen incorporar una acción. Sus obras no se quedan satisfechas con la simple mirada. Incluso cuando no se destinan a un espacio público, su modo de utilizar la sala de exposición será heterodoxa, porque muchas veces van directamente al suelo, y no parece que se exhiban allí, sino que ocupen, que se extiendan por el suelo, o por la pared. Es una puesta en escena; nada retórica, por cierto, pero puesta en escena. El trabajo en el campo, o la integración específica en una arquitectura son sus ideales. Como entre los clásicos del Land Art, la exhibición en una galería o centro de arte tiene un punto de exilio. Es el viejo problema de site / non‑site de Smithson llevado al mundo cerámico.

Entre las influencias, entre los maestros de Sofia Beça, están algunos de los grandes de la cerámica contemporánea, y uno muy especial, Arcadio Blasco, con quien mantiene una estrecha relación desde 1998 –cuando se conocieron en Portugal, donde el ceramista daba un curso–, una relación que ha llegado a ser paterno filial. Pero como creadora inquieta, sus influencias también llegan de otros ámbitos, del ámbito general del arte, del que (como sucede con Arcadio Blasco) ella no acepta desligarse. Un artista como el británico Andy Goldsworthy, con sus intervenciones poéticas en la naturaleza, con elementos naturales, tomados en bruto como piedras, o bolas de nieve, o un escultor como su compatriota Alberto Carneiro forman parte de sus referentes.

El mundo de los árboles, que es también el mundo de Carneiro, aparece de un modo a un tiempo explícito y elíptico en su instalación Floresta Portuguesa, un bosque que es un no‑bosque, un bosque del que sólo quedan los vestigios o tocones. Con él, Sofia Beça alude al problema de la deforestación de su país. Las piezas con que recrea este bosque esquilmado las hay de dos colores, castañas y negras, árboles talados y árboles quemados. Esta obra nos sirve de ejemplo para señalar las peculiaridades del trabajo de la ceramista. La primera peculiaridad es su interés por el mensaje, la cualidad del barro como instrumento. “No tengo ninguna duda –asegura– de que, cuando meto las manos en el barro estoy transformando la materia en algo que me interesa transformar, que quiero transmitir un mensaje. Aunque sólo tenga significado para mí.” En el caso de Floresta Portuguesa este mensaje llega a ser explícito, conteniendo una denuncia social o ecológica, pero, ante todo, es un mensaje poético. Ese bosque devastado es un daño colectivo y particular, a un tiempo.

Desde el punto de vista plástico, la obra que he citado, como todas las suyas (o al menos las más recientes), no maneja otros colores que los que derivan del propio material base, al que sólo se suma la acción del horno. Un lenguaje cromático inmediato, por lo tanto, de comunicación directa entre material y destinatario, con la ceramista como mediadora. En esta mediación, casi mágica, interviene, como elemento clave, la confección artesanal y cuidada de todos y cada uno de los elementos de esas puestas en escena, cada tocón cerámico, en este ejemplo, piezas que suelen ser intercambiables desde un punto de vista gramatical, elementos reemplazables, algo arbitrarios en número, pero que son elaborados uno a uno y con sumo cuidado, como si fueran únicos, cosa que son. En Floresta no son muchas las piezas, pero en obras como És a minha onda, se multiplican. Son ahora espirales de barro, en un proliferación digna de pólipos.

Sofia Beça se justifica: “podría hacer el mismo trabajo con moldes, pero para mí, dejaría de tener cualquier encanto. Cada pieza, aunque parezca igual que las otras, debo hacerla yo, si no, tengo la sensación de que no es mía. Y por eso me encanta, también, usar el horno de leña, porque dos piezas gemelas terminan distinguiéndose por el color”. A ese horno de leña de nuestra ceramista, Karin Somers le atribuye un “comportamiento temperamental”, que enriquece a sus “despojadas piezas con manchas de humo y tonos de reducción”.

Se da en esta artista la doble condición de constructora y fabricante. Constructora de relieves e instalaciones significantes. Fabricante de las piezas con las cuales las construye. Los niveles de lectura de sus obras, por ello mismo, se duplican. Las piezas, que como letras, o como notas, las integran, aportan un significado propio. En És a minha onda, son ondas que hablan de una existencia inconsistente, en la que damos vueltas sin cesar. Y de algo parecido hablan las mariposas de Borboletear. Ella misma se refiere al arte en esos términos de incertidumbre y fragilidad: “Y también (pienso) que el arte –me explica– es como las mariposas y las personas, en realidad todo es efímero. Pensamos que andaremos por esta vida mucho tiempo, pero sólo estamos de paso. Y el arte termina siendo lo mismo, un momento efímero”. Efímero pero significativo.

Tal como escribió Joaquín Vidal, los elementos que fabrica son “letras de barro que trabaja delicadamente, con paciencia y mimo, hasta que adquieren la apariencia y el significado de las letras de los códices antiguos”. Y añade este autor que “nada carece de significado o tiene un sitio aleatorio. Las pequeñas piezas se disponen sobre sus soportes en función de un lugar y un tiempo vividos, agrupándose, abrazándose y separándose con color o esperanza.” Sofia Beça fabricante y artesana, amiga de lo efímero, pero también constructora. Porque queda ese sentido esencial que aporta, como escenificación, el conjunto de las piezas de las que hablábamos, el texto escrito con esas letras, la música escrita con esas notas. 

Concluiré con una frase suya: “no me preocupa que la cerámica pierda protagonismo –dice–, porque lo que me interesa es el mensaje que intento transmitir”. Se trata de una cerámica entendida como útil de escritura, no como un fin en sí misma. Pero el texto que se escribe, como todo texto poético, es uno con la materia con la que está escrito, con la música de sus palabras, con la esencia de la propia cerámica, que es la que nos habla.

Alejandro J. Ratia

Critico de Arte

Dezembro de 2011